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Nel mondo di oggi, con l'indie da camera, l'hip hop di Soundcloud e i successi su TikTok, la creazione musicale è alla portata di tutti, non dell'élite culturale che presidia le risorse e la tecnologia.

La tecnologia moderna ha abbassato i costi di tutto. Negli ultimi dieci anni circa, si è verificato un enorme cambiamento nel panorama della produzione musicale: ora più che mai chiunque può produrre musica.

Personalmente, creo tutta la mia musica con uno studio mobile che posso portare nello zaino. Questo mi permette di essere flessibile e spontaneo, pronto a collaborare con chiunque, ovunque, in qualsiasi momento. Anche se l'acustica della stanza è scarsa e ci sono rumori di fondo indesiderati, se l'ispirazione ci colpisce in cucina, preferisco poterla registrare anziché lasciar passare il momento e rischiare di perderlo per sempre.

Non sono certo l'unico a farlo. La lista di artisti famosi che scelgono consapevolmente di registrare con apparecchiature minimali (nonostante abbiano accesso ai migliori studi del mondo) cresce di anno in anno.

Steve Lacy, musicista e membro del gruppo "The Internet", ha creato successi popolari come " Dark Red" e "N Side" utilizzando solo il suo iPhone e una strumentazione minimalista. In un'intervista con The FADER (link) Lacy ha espresso il suo apprezzamento per l'idea di non dover uscire di casa per produrre musica.

Allo stesso modo, Billie Eilish e suo fratello Finneas O'Connell hanno prodotto brani in cima alle classifiche come "Bad Guy" e "Ocean Eyes" all'interno della loro casa d'infanzia a Los Angeles. Utilizzando un laptop, un microfono e attrezzature di base, sono riusciti a creare musica che ha vinto un Grammy (video).

Questi esempi sottolineano il fatto che l'attrezzatura utilizzata nella produzione musicale non è più l'unico determinante della qualità.

Detto ciò, creare musica in un ambiente domestico o in uno studio nomade comporta delle sfide. Oltre ai problemi superficiali come l'ambiente acustico e l'isolamento acustico, c'è anche una questione più profonda: non tutti gli artisti sono produttori, e non tutti i produttori sono tecnici di mixaggio, e così via.

Il problema che deriva dal fatto che chiunque può produrre musica è che tutti devono anche saper fare tutto. In questo mondo fluido, non ci sono divisioni di ruoli. Il prezzo dell'accessibilità è la responsabilità.

I nostri artisti preferiti del passato avevano una squadra, spesso composta da dozzine di persone, ognuna con ruoli diversi nei processi creativi, di registrazione e produzione. Questo vale ancora per gli artisti mainstream. Ma per l'artista indipendente moderno, ogni ruolo deve essere assunto da lei/lui stesso.

In un’intervista (video) Ed Sheeran parla della "regola delle 10.000 ore" o della necessità di scrivere 100 canzoni prima di ritenere che ne sia una valida. Lo stesso vale per la produzione musicale. Devi fare 100 mix o più prima di iniziare a capire come suona un buon mix e i mezzi tecnici per ottenerlo. Impiegare il software per ottenere un risultato desiderato richiede tempo. Allenare l'orecchio e la mente per sapere come suona il risultato desiderato potrebbe richiedere ancora più tempo.

Forse uno studio professionale grande e costoso sembra un po' arcaico nel mondo di oggi. Ma ciò che non passerà mai di moda è l'abilità dell'artista, del produttore, dell'ingegnere del suono (o di una combinazione dei tre) di esprimere un punto di vista unico. Per fare ciò, sarà sempre necessaria l'esperienza in diverse discipline.

Alcuni acquisiscono questa esperienza frequentando una scuola di musica e prendendo lezioni. Altri la acquisteranno fallendo miseramente più e più volte finché non inizieranno finalmente a imparare (io faccio parte del secondo gruppo): in entrambi i casi, non ci sono pasti gratis. Solo perché la tecnologia è disponibile non significa che sia facile, significa solo che è possibile.

Se sei un artista, sii un artista. Non affaticarti cercando di fare tutto da solo. A meno che questo non sia ciò che vuoi.